Sección dedicada a recordar los eventos más importantes
de la historia relacionados con la ópera.
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SEPTIEMBRE
DEL 1 AL 15 / DEL 16 AL 30

1 de Septiembre

1º de septiembre de 1751 - Nació en Straubing (Austria) el libretista y empresario EMANUEL SCHIKANEDER. Actor, bailarín y eventualmente director de una compañía teatral ambulante que desde 1788 ocupó la Freihaus-Theater auf der Wieden en los suburbios de Viena, donde presentó obras teatrales y óperas, frecuentemente con sus propios textos. En 1791 colaboró con Mozart en la inmensamente exitosa Die Zauberflöte, un singspiel fantástico con elementos masónicos, concebido como un vehículo para sí mismo en el rol de Papageno. Schikaneder falleció en Viena, el 21 de septiembre de 1812.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

1º de septiembre de 1854 - Nació en Siegburg cerca de Bonn (Alemania) el compositor ENGELBERT HUMPERDINCK. Luego de estudiar en el Conservatorio de Colonia con Hiller, Gernsheim y Jensen, y en Munich con Lachner y Rheinberger, asistió en la preparación de la premiére de Parsifal (1882), se convirtió en maestro musical de Siegfried Wagner y ocupó cargos docentes en Frankfurt (1890-1900) y Berlin (1900-20). Su primer trabajo para la escena fue el cuento de hadas en forma de ópera Hänsel und Gretel (1893), el cual fue un inmediato triunfo. En 1897 compuso la música incidental para la obra de Rosmer Königskinder, la cual expandió y transformó en otro cuento de hadas en forma de ópera (1910). En estas obras, el aparato musical wagneriano no sobrecargó la frescura e ingenuidad del tema. Otras óperas: Die sieben Geislein (1895), basado en Grimm; Dornröschen (1902), basado en Perrault; Die Heirat wider Willen (1905), basado en Dumas: Die Marketenderin (1914). Humperdinck falleció en Neustrelitz, el 27 de septiembre de 1921.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

1º de septiembre de 1860 - Nació en Parma (Italia) el director CLEOFONTE CAMPANINI. Estudió en Parma. Dirigió las premiéres de Adriana Lecouvreur (1902), Siberia (1903) y Madama Butterfly (1904). Fue director asistente durante la temporada inaugural del Metropolitan, dirigiendo Mignon (debut, 3 de noviembre de 1881), Carmen, Mefistofele y La Sonnambula. Permaneció por largo tiempo en la escena de la ópera americana como principal director de la Manhattan Opera de Hammerstein (1906-09) y la Opera de Chicago (desde 1910). El maestro Campanini falleció en Chicago, el 19 de diciembre de 1919.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

1º de septiembre de 1941 - Nació en Oradea (Rumania) la soprano JULIA VARADY. Estudió en Bucarest; actuó en la Cluj Opera, 1963. Ha cantado en Italia, Frankfurt, Berlín, París, Colonia, Munich; es conocida por interpretar roles mozartianos. En el Metropolitan debutó como Donna Elvira (marzo, 1978). Creó el rol de Cordelia en Lear de Aribert Reimann (1978). Julia Varady está casada con el barítono Dietrich Fischer-Dieskau.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

2 de Septiembre

2 de septiembre de 1888 - Nació en Nagyvarád (Hungría) el bajo-barítono FRIEDRICH SCHORR. En Viena estudió derecho en la Universidad y canto con Adolf Robinson. En 1911 debutó en Graz como Wotan (Die Walküre); siguieron actuaciones en esa ciudad durante cinco temporadas.
En 1911-12 apareció en partes comprimarias en la Opera de Chicago. En 1916/18 fue artista de la Opera Alemana de Praga. Fue, además, invitado para cantar en Colonia. En 1923 fue contratado por la Staatsoper de Berlín. Con una compañía alemana que integraban también Urluss y Kipnis volvió a los Estados Unidos. El 14 de febrero de 1924 debutó en el Metropolitan como Wolfram (Tannhäuser); luego siguieron Hans Sachs (Die Meistersinger); Telramund (Lohengrin); Kurwenal (Tristan und Isolde); Wotan (Das Rheingold y Die Walküre); Gunther (Götterdämerung); Der Wanderer (Siegfried); Amonasro (Aida); Don Pizarro (Fidelio); Daniello, en el estreno norteamericano de Jonny spielt auf de Krenek; el protagonista de Der fliegende Höllander y de Schwanda el gaitero; Orest (Elektra); Jochanaan (Salomé); Faninal (Der Rosenkavalier); y un Sacerdote (Die Zauberflöte). Perteneció a la compañía por más de veinte años. Pasó las cuatrocientas representaciones de óperas de Wagner, Verdi, Strauss, etc.
Debutó en el Covent Garden, el 5 de mayo de 1924 con Das Rheingold, bajo la dirección de Bruno Walter, y en ese mismo tiempo encarnó a Wotan y Hans Sachs en Bayreuth. En Berlín continuó cantando hasta 1930. Participó en los estrenos locales de Doktor Faust de Busoni y Die Ägyptische Helena de Strauss. El 2 de marzo de 1943 se retiró de la escena del Metropolitan con Siegfried. Pasó a ejercer la docencia en la Manhattan School of Music. Falleció en Farmington, Connecticut, el 14 de agosto de 1953. Se había hecho ciudadado norteamericano años atrás.
Bajo-barítono wagneriano de fundamental importancia en su tiempo, Schorr hizo una brillante carrera basado en excelentes medios vocales, especialmente dotados para ese repertorio. En una época en que la truculencia imperaba en las interpretaciones de personajes del tipo de Wotan o Der Höllander, el cantante húngaro impuso un estilo interpretativo que Leo Riemens definiría como "bel canto wagneriano". Supo manejar con eficacia la media voz, sin perder la natural belleza en los pasajes a plena voz.
Los discos grabados para cuatro compañías hacen justicia al talento de Schorr. No grabó óperas completas comercialmente, pero hay versiones privadas de Fidelio, Die Meistersinger, Das Rheingold, Siegfried y Die Walküre.

FUENTE: "100 GRANDES CANTANTES DEL PASADO" - Miguel Patrón Marchand

2 de septiembre de 1896 - Nació en Milán (Italia) la soprano ROSETTA PAMPANINI. Estudió con Emma Molajoli, Milán; debut como Micaela, Teatro Nazionale, Roma, 1920. Luego de estudios más intensos, debutó en La Scala como Madama Butterfly, 1925. Se presentó en el Teatro Colón de Buenos Aires como Nedda (Pagliacci) y Cio-Cio-San (Butterfly) en 1926. Actuaciones en el Covent Garden (1928-33), Chicago (1931-32) y Opera de París (1935). Rosetta Pampanini falleció en Corbola, el 2 de agosto de 1973.
Una voz clara, tersa, de sonoridad grata, aunque un tanto rígida, y apreciable caudal para una soprano lírica; límpida musicalidad y una notable intuición en el plano interpretativo, dieron a Rosetta Pampanini amplio prestigio en Europa. Las heroínas puccinianas la contaron como intérprete sensitiva y logró con ellas éxitos resonantes que al acompañaron en una carrera de poco más de dos décadas.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster
"LAS VOCES - TEATRO COLON: 1908-82" - Enzo Valenti Ferro

2 de septiembre de 1904 - Nació en Västeräs (Suecia) el tenor SET SVANHOLM. Estudió como barítono con John Forsell; debut como Silvio (Pagliacci), Estocolmo, 1930. Luego de ampliar sus estudios, debutó allí como tenor cantando Radamés, 1937; permaneció con la compañía hasta 1956, cantando roles wagnerianos, también Don José, Otello, Eneas, Idomeneo y Peter Grimes. Cantó Tannhäuser en Salzburgo (1938) y Milán (1942), también actuó en Viena y Bayreuth (ambos Siegfried, Erik, 1942). En 1946, cantó en Rio de Janeiro (Tristan y Siegmund), San Francisco (Lohengrin, regresando en 1951) y Chicago (Tristan). Debutó en el Metropolitan como el joven Siegfried (noviembre, 1946); en diez temporadas, cantó ciento cinco funciones de diecisiete roles que incluyeron: el repertorio de heldentenor de Wagner, Herodes, Eisenstein (Die Fledermaus), Florestan y Aegisth (Elektra). Además cantó en el Covent Garden 1948-54 y Teatro Colón de Buenos Aires 1947-48. Fue administrador de la Real Opera de Estocolmo (1956-63). Svanholm falleció en Saltsjö-Duvnäs, cerca de Estocolmo, el 4 de octubre de 1964.
La voz de Svanholm no era, ciertamente, muy opulenta, pero sí magníficamente timbrada, pareja y extensa y la emitía con una seguridad y una proyección sorprendente merced a una técnica vocal del mejor cuño. Tal vez la nota heroica no tenía toda la fuerza deseable; pero sus acentos y el brillo deslumbrante de su voz tenían el peso y la convicción que esas notas requerían, como quedó sobradamente probado en su magnífico Siegfried.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster
"LAS VOCES - TEATRO COLON: 1908-82" - Enzo Valenti Ferro

4 de Septiembre

4 de septiembre de 1892 - Nació en Aix-en-Provence (Francia) el compositor DARIUS MILHAUD.
Estudió en el Conservatorio de París con Widor y Dukas. Después de la Primera Guerra Mundial, en la época de la efervescencia de todas las artes, entró en la esfera de influencia del ingenioso dramaturgo y poeta Jean Cocteau y del extravagante músico Eric Satie. Pasó un tiempo como agregado de la embajada francesa en Río de Janeiro, donde su espíritu siempre vivaz asimiló muchas cosas del folklore brasileño. Al regresar pasó a formar parte del "Grupo de los Seis", con Arthur Honegger, Francis Poulenc, Auric, Durey y Madame Tailleferre.
Al comienzo de su actividad creadora estuvo bajo la influencia de Debussy; luego lo atrajeron las teorías de Arnold Schoenberg, pero logró desde muy pronto un estilo propio que se puede caracterizar como un anhelo de belleza formal, una expresión de la alegría de vivir y un acercamiento a las filosofías positivas. Hay que mencionar también una inclinación siempre presente hacia lo nuevo, una voluntad de experimentar para poner al descubierto lo desconocido.
Sus obras para la escena son poco conocidas fuera de su país. Comenzó con un drama sobre los Atridas (Orestie) que debió esperar décadas para ser estrenado; luego siguió con un "drama satírico" titulado Protée (1922), con el "ballet cantado" Salade (1924) y con Le train bleu (del mismo año), que llevaba como subtítulo "opereta bailada". Una impresión más duradera produjo la ópera Les malheurs d'Orphée (1924).
Cuando Universal-Edition de Viena le encargó una ópera, Milhaud envió una obra breve, de nueve minutos de duración, titulada L'enlèvement d'Europe, que produjo dolores de cabeza al editor. Éste lo animó a que completara un ciclo. Milhaud lo completó con dos óperas de la misma duración: L'abandon d'Ariane y La déliverance de Thésée. Y sin embargo, estas contribuciones al teatro musical de ninguna manera son las obras en un acto más breves. Milhaud compuso también óperas que duraban menos, de concentración y brevedad parodísticas. Le boeuf sur le toit es la más conocida de esa serie. En 1927 escribió Le pauvre matelot, y en los años siguientes pasó del extremo de la brevedad aforística, casi cabaretística, al extremo opuesto, pues Christophe Colomb es teatro épico con un desarrollo amplio, contemplativo y lírico.
Luego continuó la línea de la "gran ópera". En Maximiliano (1932) describe el trágico destino del desgraciado Habsburgo en el trono imperial de México y su muerte a manos del dirigente popular Benito Juárez. Durante la Segunda Guerra Mundial emigró a Estados Unidos, donde permaneció hasta 1948. Allí surgió Medea; al volver compuso una ópera grandiosa, Bolívar, basada en el texto de Jules Supervielle, que describe la brillante lucha por la emancipación de América del Sur bajo la dirección de Simón Bolívar, hombre de Estado heroico e inteligente, así como su amarga desilusión y su triste final. El joven Estado de Israel encargó a Milhaud una ópera. Éste compuso un interesante David basado en textos bíblicos, que se estrenó en forma de concierto en Jerusalén, en junio de 1954. La ópera La mère coupable, que se estrenó en Ginebra el 13 de junio de 1966, pone música a la tercera comedia de la famosa trilogía de Beaumarchais, de cuyas numerosas versiones musicales sobreviven sobre todo El barbero de Sevilla de Rossini y Las bodas de Figaro de Mozart, mientras que el tercer tema, el de "la madre culpable", ha motivado a muy pocos compositores.
Milhaud falleció en Ginebra, el 22 de junio de 1974.

FUENTE: "DICCIONARIO DE LA OPERA" - Kurt Pahlen

5 de Septiembre

5 de septiembre de 1735 - Nació en Leipzig (Alemania) el compositor JOHANN CHRISTIAN BACH. Estudió teclado con su padre Johann Sebastian, composición con su hermano Carl Philipp Emanuel en Berlín y con el Padre Martini en Italia, donde su primer ópera seria Artaserse fue estrenada (Turín, 1760). Luego del suceso de Catone in Utica (Nápoles, 1761), viajó a Londres; su Orione (1762) y la muy popular La Clemenza di Scipione (1778) contiene algunas arias da capo, el coro y la orquesta representan un gran rol dramático. En Londres encontró e interpretó improvisaciones en el teclado con el niño Mozart. En sus últimos años, trabajó también en Mannheim, donde fue estrenada la elaborada Temistocle (1772).

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

5 de septiembre de 1791 - Nació en Vogelsdorf, cerca de Berlín (Alemania) el compositor GIACOMO MEYERBEER. Estudió en Alemania y luego se trasladó a Italia, a pesar de su camarada Weber, que, al contrario que Jakob Liebman Meyer Beer (que pronto se llamaría Giacomo Meyerbeer), se sentía nacionalista y sería el fundador de la ópera popular alemana. Sin embargo, en esta peregrinación de los compositores a Italia no había nada nuevo. La carrera de Meyerbeer sufrió un cambio cuando abandonó también Italia para establecerse en el floreciente París. Allí se le abrieron, con Robert le diable (1831), las puertas de la fama. En 1836, la ciudad entera y pronto todo el mundo de la ópera se entusiasmaban hasta el delirio por Les Huguenots. Tres años después conoce a Richard Wagner, cuyo talento reconoce en seguida, sobre la base de los esbozos de Rienzi, y a quien presta un decidido apoyo. Eso no impedirá a Wagner atacar con violencia a su famoso compatriota como representante del judaísmo en un inquietante y polémico escrito. En 1842, Meyerbeer obtiene un contrato para trabajar en la corte prusiana de Berlín con el nuevo título de Director General de Música. Das Feldlager in Schlesien, estrenada allí, sólo tiene un éxito moderado, a pesar de encontrarse en el papel principal Jenny Lind, "el ruiseñor sueco"; en 1847, Meyerbeer vuelve a París y afirma su posición mundial con Le prophète (1849). Der Nordstern, de 1854, gustó poco; Dinorah, de 1859, fue aclamada, aunque por poco tiempo. No pudo terminar la que tal vez habría sido su obra más bella: L'africaine. Otras óperas: Romilda e Costanza (1818); Emma di Resburgo (1819); Semiramis (1819); Margherita d'Angiù (1820); Il crociatto in Egitto (1824); L'Étoile du Nord (1854). Meyerbeer murió en París, el 2 de mayo de 1864.
Los franceses no dejaron nunca de considerarlo uno de los suyos, tal como hicieron con su rival en el ámbito de la ópera cómica, Jacques Offenbach, que también había nacido al otro lado del Rin. El progresista siglo XX lo rebajó, tal vez por la fiebre general del antirromanticismo, a la posición de compositor de segunda categoría. Es evidente que se ha pasado por alto el hecho de que Meyerbeer fue un dramaturgo brillante e innato, que plasmó escenas de una impresionante fuerza e intensidad y que su talento para la invención de melodías es digno de consideración.

FUENTE: "DICCIONARIO DE OPERA" - Kurt Pahlen

5 de septiembre de 1840 - Estreno en La Scala de Milán de la ópera en dos actos "UN GIORNO DI REGNO" de Giuseppe Verdi; con libretto de Felice Romani, basado en la comedia Le Faux Stanislas de Alexandre Vincent Pineu-Duval.
Intérpretes de la premiére: Rainieri-Marini, Abbadia, Salvi, Ferlotti, Scalese.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

6 de Septiembre

6 de septiembre de 1977 - Estreno en la Scottish Opera de Edimburgo (Gran Bretaña) de la ópera en tres actos "MARY QUEEN OF SCOTS" de Thea Musgrave; con libretto del compositor, basado en la obra de Amelia Elguera.
Intérpretes de la premiére: Wilson, Hillman, Dempsey, Gardner, Dean, dirigidos por Musgrave.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

8 de Septiembre

8 de septiembre de 1815 - Nació en Lodi (Italia) la soprano GIUSEPPINA STREPPONI. Estudió en el Conservatorio de Milán; debut en Adria, 1834. Cantó en Trieste (1835) y Viena (Amina y Adalgisa, 1835). En la Scala, 1839, cantó Lucia, Elvira (I Puritani) y Adina, impulsó la producción del Oberto de Verdi y creó el rol de Abigaille en Nabucco (1842). También creó el rol titular de Adelia de Donizetti, Roma, 1841. Casada con Giuseppe Verdi en 1859. Giuseppina Strepponi falleció en Sant'Agata, cerca de Busseto, el 14 de noviembre de 1897.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

8 de septiembre de 1841 - Nació en Nelahozeves, cerca de Kralupy (Checoeslovaquia) el compositor ANTONIN DVORÁK. Luego de recibir lecciones de Franz Hancke, estudió con Pitsch en la Escuela de Órgano de Praga, graduándose en 1859 y siguiendo una carrera como violinista, aprendiendo el repertorio operístico mientras tocaba para el Teatro Provisional de Praga (más tarde Teatro Nacional) y componiendo. Por 1877, su música había despertado la atención de Brahms, quien patrocinó la publicación y gestionó contratos en Europa. Desde 1892 hasta 1895, se desempeñó como director del Conservatorio Nacional de Música de Nueva York, luego pasó sus últimos años en Praga.
Las primeras óperas Dvorák, fuertemente influenciadas por Wagner, no fueron representadas en su tiempo: Alfred (1870, representada en 1938) y la comedia Rey y Carbonero (1871). Esta última fue reescrita completamente en un estilo folklórico y representada en 1874; Dvorák siguió esta simple veta con intensidad en Los amantes obstinados (1874, representada en 1881), Vanda (1875, revisada en 1879) y El campesino astuto (1878). En la ópera trágica Dmitri (1882) y en El Jacobino (1887), regresó a las ricas texturas y la continuidad wagneriana. Katia y el diablo (1899), Rusalka (1900) Y Armida (1904) las tres óperas que siguieron fueron concebidas con mayor despliegue sinfónico. Aunque las óperas de Dvorák sólo raramente alcanzan la cualidad dramática de su mejor escritura instrumental, siempre se distinguen por su intensidad emocional, generosa invención lírica, rítmico vigor y perfecta artesanía. Dvorák falleció en Praga, el 1º de mayo de 1904.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

8 de septiembre de 1886 - Nació en Mantalieu-Varcien (Francia) la soprano NINON VALLIN. Hizo sus primeros estudios en Lyon, con Mme. Mauvarnay, y luego se trasladó a París para perfeccionarse con Mme. Héglon. En la capital francesa participó en representaciones de Le martyr de Saint-Sébastien, de D'annuzio-Debussy, a pedido de éste último, quien le confió las partes cantadas de la obra, en 1911. Inmediatamente tuvo una audición con Carré, que le permitió realizar su debut en la Opéra-Comique como Micaela (Carmen). Habiéndose convertido en favorita de ese público, interpretó en años sucesivos sus títulos más famosos, entre los que descollaron Manon (Massenet) y La Bohème.
En 1916, a causa de un desentendimiento con el director Cheusi, se apartó momentáneamente de esa compañía. Emprendió entonces su primer viaje a Sudamérica (1916). Con un interesante contrato para el Colón de Buenos Aires, donde se presentaría también en 1917 y 1918 (retornando en 1921 y 1923-25). Allí cantó su repertorio habitual, pero fue también una exquisita Zerlina (Don Giovanni). En 1919 se sumó a la compañía que actuaba en el Teatro Coliseo.
En 1917 fue recibida triunfalmente en la Opéra-Comique, una vez solucionado el problema administrativo. Ese mismo año debutó en La Scala con gran éxito, en títulos como Marouf de Rabaud, Il segreto di Susanna de Wolf-Ferrari, y Mignon (protagonista). En 1920 pasó a integrar el elenco de la Opera de París, cantando Faust, La damnation de Faust y Thaïs. Sin embargo, la Salle Favart seguiría siendo por muchos años el centro de su actuación, con puntos destacables en Le Nozze di Figaro (la Contessa), Pagliacci, Le Roi d'Ys (Rozzen), La vida breve y Werther.
En 1928 con su celebérrima Charlotte, festejó la milésima representación de la ópera massenetiana. Vivamente interesada por las obras de sus contemporáneos, fue primera intérprete de numerosos personajes de óperas de D'Erlanger y Leroux; además, estrenó en París La Maria Egiziaca de Respighi.
En 1931 y 1936 volvió al Colón de Buenos Aires, y en 1934 cantó Carmen -la protagonista- y Faust en la Opera de San Francisco. En 1935 se presentó en Nueva York, Washington y Moscú.
Al principio de su carrera se la conocía como Ninon Vallin-Pardo. Antes de retirarse definitivamente de la escena adquirió una hermosa casa de campo ("La Sauvagère"), que se convirtió en un centro cultural y docente de permanente atracción, en las cercanías de Lyon.
En 1954 se radicó en Montevideo, para hacerse cargo de la cátedra de canto del novísimo Conservatorio Nacional de Música, y al año siguiente dictó clases particulares en la residencia de unos amigos. Entre sus alumnos uruguayos más destacados figuran Raquel Satre, Raquel Adonaylo, Jorge Botto y Alba Tonelli. Vallin falleció en Lyon, el 22 de noviembre de 1961.
Soprano lírica por excelencia, Ninon Vallin poseyó una voz cálida y mórbida que sabía utilizar sabiamente al servicio de los personajes que interpretaba. Dueña de una natural y cultivada musicalidad, abordó diversos autores con plena comprensión de cada estilo. Supo descollar en papeles tan diferentes como Mimí y Thaïs, Zerlina y Carmen, Salud y Butterfly.
De todas formas, su timbre claro y pastoso lucía más en heroínas como Marguerite, Louise, Micaela y
Antonia, de las que fue la mejor intérprete de su tiempo. Era, además, excelente actriz y refinada concertista.

FUENTE: "100 GRANDES CANTANTES DEL PASADO" - Miguel Patrón Marchand

9 de Septiembre

9 de septiembre de 1905 - Estreno en la Court Opera de Dresde de la ópera en un acto "SALOME" de Richard Strauss; libretto adaptado de la traducción de Hedwig Lachmann de la obra teatral de Oscar Wilde.
Intérpretes de la premiére: Wittich, Chavanne, Burrian, Perron, dirigidos por Ernst von Schuch.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

10 de Septiembre

10 de septiembre de 1838 - Estreno en la Opera de París de la ópera en tres actos (originalmente dos) "BENVENUTO CELLINI" de Héctor Berlioz; libretto de Léon de Wailly y August Barbier, basada en la autobiografía de Cellini.
Intérpretes de la premiére: Dorus-Gras, Dérivis, Stoltz, Duprez, dirigidos por Habeneck.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

10 de septiembre de 1944 - Nació en Seaham (Inglaterra) el barítono THOMAS ALLEN. Estudió en el Colegio Real de Música en Londres; debutó en 1969 como el Figaro de Rossini, en la Opera Nacional Galesa, donde también cantó Papageno, Il Conte Almaviva (Nozze di Figaro), Guglielmo (Cosí fan tutte), y Billy Budd. Actúa en el Covent Garden desde 1972, Glyndebourne desde 1973. Creó el rol de Valerio en The Voice of Ariadne de Musgrave, Aldeburgh, 1974. En el Metropolitan debutó como Papageno, noviembre de 1981; también cantó Il Conte Almaviva mozartiano allí.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

11 de Septiembre

12 de Septiembre

12 de septiembre de 1938 - Nació en Nueva York (Estados Unidos) la mezzosoprano TATIANA TROYANOS. Estudió con Hans Heinz en la Juilliard School de Nueva Yord, con quién continuó perfeccionándose ya en su carrera profesional. Debutó como Hyppolyta en Midsummer's Night Dream de Britten (New York City Opera, 1963). Luego cantó Marina, Cherubino y Jocasta (Oedipus Rex) con esa compañía. En 1965 se incorporó al elenco estable de la Opera de Hamburgo permaneciendo diez años y representando roles que incluían, entre otros: Preziosilla (debut, 1965); Dorabella; Baba (Rake's Progress); Elisetta (Matrimonio Segreto; allí creó el rol de Jeanne en Die Teufel von Loudon de Penderecki (1969). Sus debuts siguientes fueron: Aix-en-Provence (Compositor, Ariadne auf Naxos, 1966); Covent Garden y Salzburgo (en ambos escenarios Octavian, 1969); Washington (Ariodante de Händel, 1971); Chicago (Charlotte, Werther, 1971); Boston (Romeo, I Capuletti e I Montecchi, 1975) y La Scala (Adalgisa, 1977). Debutó en el Metropolitan como Octavian (8 de marzo de 1976) donde cantó más de 160 funciones donde se destacan: el Compositor, Amneris, Grafin Geschwitz (Lulú), Santuzza, Venus, Charlotte, Hänsel, Eboli, Kundry, Brangäne, Dalila, Carmen, Adalgisa, Didon y Cassandre (Les Troyens), Jocasta, Giulietta (Contes d'Hoffmann), Sesto (Clemenza) y Orlovsky (Die Fledermaus). En los últimos años de su vida, posiblemente a causa de una dolencia física que la aquejaba, sus medios vocales habían disminuído notablemente, sin embargo, pudo encarnar a la Reina Isabel la Católica en el estreno de El Viaje de Philip Glass, encarnar a Fricka en Das Rheingold (Chicago) y Clarion en Capriccio (San Francisco). Tatiana Troyanos falleció en agosto de 1993.
Cantande de voz flexible y gran versatilidad estilística, exhibía en escena una gran prestancia que equilibraba sensualidad con aristocracia.

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

13 de Septiembre

13 de septiembre de 1874 - Nació en Viena (Austria) el compositor ARNOLD SCHOENBERG. Perseguido como "nuevo músico", como "revolucionario" de la música o como judío, tuvo que ir de ciudad en ciudad, de país en país; de la muy conservadora Viena, donde su "atonalidad" y la de sus alumnos provocó tumultos y polémicas, al progresista Berlín, donde tuvo a su cargo un curso de composición en la Escuela Superior de Música; al imponerse los nacionalsocialistas, tuvo que regresar a Viena. Después emigró definitivamente a Estados Unidos, donde murió en Los Angeles, el 13 de julio de 1951.
Su trayectoria espiritual fue mucho más agitada aún. Sus orígenes están, como los de toda su generación, en Wagner; sus obras de juventud son "tristanescas" hasta el extremo: el sexteto para cuerdas Noche transfigurada, el formidable poema para orquesta, coro y solistas Gurrelieder. Pero mientras trabajaba en esta obra posromántica, de sonidos nostálgicos y embriagadores, comenzó a tener serias dudas (también a causa de un seguimiento consecuente de las armonías del Tristán) sobre la futura validez de la antigua tonalidad. Junto con Alban Berg, Anton Webern y otros, que tomaron sus ideas, negó la existencia eterna del sistema tonal, de las tonalidades, de las escalas, acordes, etc. Eran los tiempos de la Primera Guerra Mundial, que los futuros historiadores señalarón más tarde como el fin de una época y como el comienzo de las violentas revoluciones que habrían de transformar la vida de los hombres. Fue una época cargada de problemas y deseosa de explosiones. El cubismo, el dadaísmo, el atonalismo: tres etapas de un camino confuso. El mismo Schoenberg reconoció el peligro: el caos musical que surgiría del atonalismo. También el caos podía ser creativo, como lo demuestran algunas obras de la época "atonal". Pero un arte sin reglas corre el peligro de disolverse y de ponerse al servicio de cualquier incompetente y charlatán.
A comienzos de los años veinte, Schoenberg creyó haber encontrado una solución al caos: probó y anunció la "teoría de los doce tonos relacionados entre sí", denominada, para simplificar, dodecafonía, dodecafonismo o sistema dodecafónico. Al mismo tiempo que él, pero sin que hubiera contactos entre sí, otros músicos elaboraban también nuevas teorías con las que querían reemplazar de manera definitiva la vieja teoría de la armonía de Zarlino y Rameau (de los siglos XVII y XVIII). Uno de ellos, el austríaco Josef Matthias Hauer, construyó un sistema de doce notas muy semejante al de Schoenberg lo que dio lugar a encuentros de ambos y a violentas polémicas. La teoría de Schoenberg se impuso, pero dividió el mundo musical en dos grupos que se combatieron con rudeza. Los opositores argumentaban que el sistema dodecafónico era un principio puramente intelectual que no ofrecía ningún espacio a la inspiración; por eso era más una ciencia que un arte, un juego de la inteligencia sin participación de los sentimientos. Además, por primera vez en la historia se presentó el caso de un sistema diseñado intelectualmente al que debía ceñirse la composición. En los ya mencionados "viejos" teóricos de la música había sido a la inversa. Construyeron un sistema que hacía mucho tiempo tenía validez en la práctica. También aparecieron otras objeciones: la "tonalidad", es decir, la sensación de tonalidad, no es una ley natural que el hombre no puede mantener o suprimir arbitrariamente? Y en este sentido, no es comparable a la fuerza de gravedad? Schoenberg se convirtió en jefe de un "partido", numerosos compositores de su generación y de las siguientes se declararon seguidores suyos, muchos otros lo combatieron (Melichar: "La música con camisa de fuerza"); la separación entre los compositores y el "público", que se había producido a partir de los años veinte y se había convertido en un abismo casi insuperable, no sólo no se cerró, sino que se amplió peligrosamente. Desde los años setenta pareció perfilarse un "retorno a la tonalidad", pero el dodecafonismo y el "serialismo" derivado de él parecen seguir teniendo un papel nada despreciable. Aun cuando las épocas futuras lo reconozcan como preponderantemente negativo, es un síntoma de los tiempos, una etapa en la búsqueda de nuevos contenidos y nuevas formas, búsqueda de la que el arte es un espejo sensibilísimo.
Schoenberg se ocupó varias veces del teatro musical. De aquí resultaron dos obras tempranas, es decir, de su fase expresionista y atonal, y una gran obra, basada en la teoría dodecafónica.
Erwartung (Espera) es un monodrama, es decir, una acción con un único personaje: una mujer que espera a su amado, lo busca con creciente tensión en el bosque y por último encuentra su cadáver. Todos los acontecimientos suceden en el interior de la mujer: su impaciencia, sus celos, sus pensamientos angustiosos, sensuales y vengativos, su desesperación. La verdadera acción sólo ocupa unos segundos, tal vez menos aún, si la consideramos un sueño. Las fases de este breve proceso se articulan y retrasan a la manera de la cámara lenta del cine, y de esa manera se hacen más penetrantes. El libreto fue escrito por Marie Pappenheim; la partitura de Schoenberg consta de 426 compases y su desarrollo dura algo menos de media hora. La pieza, compuesta en 1909, tuvo que esperar casi 20 años para ser representada; el estreno tuvo lugar en Wiesbaden en 1928.
Schoenberg procedió de una manera más concentrada aún en el drama Die glückliche Hand (La mano feliz), de 1924. Esta partitura sólo consta de 255 compases; no se puede hablar de argumento operístico; es una extraña sucesión de cuadros, pensamientos y sensaciones expresados de una manera poco clara, nebulosa y onírica. De manera análoga al concepto de "antiteatro" (de todos modos un poco posterior), en esta obra, con texto del mismo compositor, nos encontramos más bien con una "antiópera". A un personaje que canta, "el hombre", se enfrentan dos figuras mudas, "la mujer" y "un señor". Se produce una lucha interior por la mujer, que Schoenberg subraya por medio de un "coro" de características peculiares, que no canta, sino que recita sobre determinados sonidos. Por medio de indicaciones exactas en la partitura se incluyen efectos de luces y colores; recordamos imágenes surrealistas, que a decir verdad representan cada detalle con exactitud casi fotográfica, pero que aparentemente nos llevan a las relaciones más incoherentes, como en un sueño. Un argumento extraño. que hay que representar con gran tensión, y cuya música tiene un efecto extrañamente "enajenado" a causa de la objetividad expresionista y la falta de toda intención pictórica o descriptiva.
Aún hay que mencionar otras tres obras de Schoenberg, sólo para ofrecer un panorama completo: Begleitmusik zu einer Lichtspielszene (Música de fondo para una secuencia cinematográfica) insiste, de manera nada romántica, en el "Peligro inminente", el "Miedo" y la "Catástrofe", tres temas fundamentales de nuestro siglo.
En 1930 se estrenó en Francfort una comedia señalada como obra satírica en un acto, con el título de Von heute auf morgen (De la noche a la mañana). Se trata de una comedia banal sin ninguna importancia, sobre todo porque también la música dodecafónica que acompaña la acción produce el efecto de una parodía de sí misma.
Moses und Aron con libretto del autor: Hay que considerar este libretto como un poema de pensamientos profundos, aunque no siempre con un dominio del idioma o con habilidad idiomática. Invita a la reflexión, pero apenas coincide con la música. Tal vez también en ésta, como en tantas obras de Schoenberg, el resultado intelectual sea mejor que el artístico. A pesar de todo es una obra de gran significación que trata problemas de actualidad desde un punto de vista muy elevado. La personificación de los extremos de la vida humana por Moisés y Aarón está tratada con gran nivel espiritual. De verdadera música de ópera sólo se puede hablar en las grandes escenas de masas que aparecen en las orgías del acto segundo. Los pasajes filosóficos más importantes muestran una estructura musical extremadamente complicada, imposible de comprender para el espectador común. Esta formidable obra ha sido concebida a partir de una única serie dodecafónica: una hazaña intelectual imponente, pero que el oído no aprecia. El despliegue de medios es impresionante: una orquesta muy grande, un coro también muy grande, numerosas partes solistas, todo de una dificultad hasta entonces inconcebible. Sólo teatros de ópera de gran capacidad, después de largos e intensos ensayos, pueden arriesgarse con esta obra, que para las generaciones futuras será un documento importante de la música de nuestro siglo, pero no una pieza de música viva. Schoenberg trabajó en Moses und Aron desde 1930 hasta 1932; pudo terminar dos actos. A pesar de que vivió casi veinte años más, no volvió a ocuparse de la obra. Parece que sólo los amigos más íntimos conocían la existencia de esta obra incompleta, cuya ejecución autorizó Schoenberg expresamente antes de morir, un caso único. El 12 de marzo de 1954, la emisora de radio Norddeutschen de Hamburgo transmitió una versión concertante. El 6 de junio de 1957, el Teatro de Zúrich, bajo la dirección de Hans Rosbaud, se arriesgó a llevar a cabo un estreno escénico, audaz proeza que produjo sensación en todo el mundo.

FUENTE: "DICCIONARIO DE LA OPERA" - Kurt Pahlen

13 de septiembre de 1929 - Nació en Velingrad (Bulgaria) el bajo NICOLAI GHIAUROV. Hijo de un sacristán, cantó en el coro infantil de una iglesia pero su voz fue realmente descubierta durante el servicio militar. Estudió privadamente con el compositor Petko Stainov y luego con Brambarov en el Conservatorio de Sofía (1949). Al año siguiente se trasladó a Moscú donde continuó su preparación hasta 1955. En esa fecha debutó en el Estudio-Opera de esa ciudad y en 1956 se presentó en la capital búlgara a través del Don Basilio de Il Barbiere di Siviglia para luego ganar un importante premio en un concurso llevado a cabo en París.
En 1957 cantó el Ramfis de Aida en la Opera del Estado de Viena, para presentarse un año después en el Bolshoi de Moscú como Pimen en Boris Godunov y Basilio en Il Barbiere. En febrero de 1960 debutó en La Scala (como Varlaam) en un Boris protagonizado por Christoff con el Pimen de Zaccaria. En abril fue Ramfis junto a Nilsson (o Price), Simionato, Miranda Ferraro y MacNeil. En enero de 1961 fue el Padre Guardiano (Forza del Destino) junto a Cavalli, Labò, Bastianini, Capecchi y Simionato. En diciembre del mismo año encarnó a Creonte en Medea con motivo de las últimas presentaciones de Maria Callas en la compañía, donde también cantaban Vickers y Simionato. En enero de 1961 interpretó a Baldassarre (La Favorita) cuando la Cossotto sustituyó a la mezzo antes nombrada en el día del estreno. Gianni Raimondi fue Fernando y Bastianini el rey Alfonso XI. La carrera milanesa continuó sin tropiezos en 1962 con el Méphistophélès de Faust con Raimondi y Scotto. El 28 de mayo de ese año se representó la histórica versión de Les Huguenots de Meyerbeer donde le cupo a Ghiaurov defender el papel de Marcelo junto a Corelli, Simionato, Sutherland, Cossotto, Tozzi y Ganzarolli. En marzo de 1963 protagonizó Don Giovanni bajo la dirección de Hermann Scherchen y un elenco compartido con Leontyne Price, Schwarzkopf, Alva, Freni y Ganzarolli. De la larga lista de títulos interpretados cuyas grabaciones privadas se conservan, se puede citar un Mefistofele de Boito (1964) con Kabaivanska y Bergonzi; Nabucco (1966), junto a Suliotis, Guelfi y Gianni Raimondi; también Ernani (1969) en compañía de Kabaivanska, Domingo y Meliciani y Don Carlo (1977) con Freni, Obratzova, Carreras y Cappuccilli, dirigidos por Claudio Abbado.
Otras ciudades italianas que los aplaudieron fueron Florencia (Attila, 1972; Gencer y Lucchetti, dir. Mutti), Roma (Don Carlo, 1968; Gencer, Cossotto, Prevedi y Bruscantini; Jovanchina, 1974; Cossotto, Lucchetti y Cappuccilli) y Nápoles (Simon Boccanegra, 1970; Maragliano, Prevedi y Cappuccilli). Para la RAI concretó la interpretación de Moisè de Rossini junto a Zylis-Gara, Verrett, Garaventa y Petri.
En la Opera de París cantó Faust y Aida en 1958, regresando en 1963 para Don Carlo y con continuidad a partir de 1974 (Don Quichotte, Padre Guardiano y el Séneca de L'Incoronazione di Poppea). El debut de Ghiaurov en el Covent Garden se produjo en 1962 con La Forza del Destino, junto a Cavalli, Bergonzi, Shaw y Capecchi. Otras actuaciones importantes de años más recientes fueron Ernani (1972; Papantoniou, Bergonzi y Cappuccilli), Don Carlo (1977; Ricciarelli, Bumbry, Carreras y Mazurok) y Faust (1977; Freni y Kraus). En 1965 se presentó en el Festival de Salzburgo con Boris Godunov. Otros papeles enjundiosos enfrentados allí fueron Don Giovanni y Filippo II. En Viena cantó Don Carlo en 1967 (Jones, Ludwig, Domingo y Paskalis), título que se repitió en 1970 (Janowitz, Verrett, Corelli y Wächter). También Boris Godunov en 1976 (Fassbänder y Atlantov). Además se presentó en Hamburgo y Montecarlo.
El público norteamericano lo conoció en 1963 a través de la Opera de Chicago con Faust. En años posteriores fue aplaudido en Don Carlo (1964; Gencer, Bumbry, Tucker y Gobbi), Mefistofele (1965; Tebaldi, Suliotis y Kraus), Don Quichotte (1974; Cortez y Foldi), Jovanchina (Ivan Jovansky, 1976; Cortez y Mittelman), Eugenio Onieguin (1984; Freni y Dvorsky) y Faust (1984; Freni y Kraus). Ghiaurov debutó en el Metropolitan el 8 de noviembre de 1965 con Faust, cantando a los pocos días Don Carlo. En 1967 agregó el Padre Guardiano (Forza del Destino) y en 1968 fue Fiesco (Simon Boccanegra). En 1991 festejó los veinticinco años de la sala del Lincoln Center junto a Luciano Pavarotti, Leo Nucci, Plácido Domingo y Mirella Freni. En 1966 cantó Mefistofele en el Carnegie Hall. En Washington cantó en 1976 (Simon Boccanegra) y en Filadelfia (Don Carlo) en 1966. La Opera de San Francisco contó con él en 1967 a través de un Faust protagonizado por Kraus, pero el éxito obtenido no tuvo continuación. Algo similar sucedió en Buenos Aires (1971), con la misma ópera y Nicolai Gedda a la cabeza de la distribución. La exhaustiva carrera europez hizo imposible el regreso del divo a tierras americanas, en las que ha tenido escasas presentaciones.
Ghiaurov recogió una histórica tradición de canto eslavo que se ha prolongado hasta nuestros días debido a los triunfos obtenidos en el correr de su carrera larga y prestigiosa. La línea partió de Fiodor Chaliapin y pasó por el arte de Boris Christoff para culminar en Ghiaurov, con quien parece llegar a su fin. Nuestro bajo poseyó una voz más oscura que la del primero y más dúctil que la del segundo. A cambio, sus colegas lo aventajaron en una mayor proyección de cada personaje, sobre todo en las alucinadas criaturas del repertorio ruso y en los profundos conflictos humanos surgidos de la pluma de Verdi. Ghiaurov es un bajo cantante con una característica tímbrica compacta y mórbida a la que se añade una notable igualdad de registros. Ha llamado la atención su capacidad para expandirse en las grandes salas (y espectáculos al aire libre) con vibraciones intensas, voluminosas, armoniosas y redondas, que en sus décadas de triunfo (los sesenta y parte de los setenta) surgieron sin esfuerzo. Otras características de Ghiaurov son la musicalidad del fraseo, la espontaneidad de la expresión (tanto en el arrebato dramático como en la inflexión acariciadora) y la naturalidad e idiomaticidad de su canto. La exuberancia de esos medios lo ha hecho medirse con un repertorio muy extenso, haciendo gala de una gran versatilidad. Ha pasado de algunos personajes belcantísticos bien logrados hasta el meollo de la creación verdiana y los diablos de Boito y Gounod, que han gozado en sus manos de una cuota especial de interés. La personalidad vocal de Ghiaurov radica en el timbre oscuro pero maleable que posee un casi imperceptible factor arenoso que le da un especial atractivo a toda la emisión.
Su físico imponente y el domino escénico natural y cultivado lo han hecho ideal para los personajes mayestáticos o diabólicos. No ha querido seguir literalmente los pasos de sus antecesores y ha adoptado un enfoque más contenido para Boris, Filippo II o Mefistofele. En los últimos años manifestó un notorio desgaste vocal, que se hizo evidente desde el estrangulamiento del pasaje y la zona alta hasta un destimbramiento general de toda la gama.

FUENTE: "CALLAS Y 99 CONTEMPORANEOS" - Miguel Patrón Marchand

13 de septiembre de 1939 - Nació en Los Angeles (Estados Unidos) la soprano ARLEEN AUGÉR. Estudió en la Universidad de California y con Ralph Errolle en Chicago. Debutó como la Königin der Nacht (Reina de la Noche), en Viena, 1967; miembro de la Opera del Estado de Viena hasta 1974. Ha cantado además en Munich, Londres, París, Hamburgo, Festival de Salzburgo y en la New York City Opera (debut, Königin der Nacht, 1969). En el Metropolitan, cantó el rol de Marzelline en Fidelio (debut, 2 de octubre de 1978). Su debut operístico en Gran Bretaña se produjo en 1985 como Alcina de Händel. Al año siguiente Augér cantó el Exsultate jubilate de Mozart en la boda del Príncipe Andrés en la Abadía de Westminster. Arleen Augér falleció en 1993.
Esta cantante de purísima y clara voz de soprano, de bello timbre y ejemplar técnica se especializó en repertorio barroco y clásico (Händel, Haydn, Mozart).

FUENTE: "THE METROPOLITAN OPERA ENCYCLOPEDIA" - David Hamilton - Simon and Schuster

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